El negocio del arte

Que el arte contemporáneo, y más en concreto el arte objetual, sea arte es algo que se puede discutir. Puede que el problema sea que pierde su fundamento cuando se materializa. Para muchos que el reluciente corazón que encabeza este post alcanzara en una subasta los 23 millones y medio de dólares es preocupante. ¿Qué está pasando con el arte?

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                En el vídeo del enlace anterior se dice que el arte "Es bonito. Y te invita a imaginar historias fantásticas y te descubre un mundo fascinante lejos de la hostilidad que me viene rodeando últimamente en todos los contextos en los que me muevo", sin embargo, aunque enseña a ver el mundo de otra forma para muchos sus productos artísticos son aburridos y tristes.

                Incluso cuando la economía mundial se colapsó los precios del arte contemporáneo seguían siendo altos y obscenos. Se podría decir que la actitud del público hacia el arte contemporáneo ha cambiado, antes tenía una actitud de recelo y desprecio, pero las visitas a los museos y las compras de este arte han aumentado.

                El arte contemporáneo es el producido a partir de 1945. La definición de arte contemporáneo es muy amplia, incluye alguno de los grandes nombres del arte de los últimos 50 años, artistas que ya han muerto y tienen una fama establecida, como Andy Warhol, y artistas que siguen vivos y produciendo obra, como Denim Jerks y Jeff Koons.

                Pero vivos o muertos los precios de sus obras se han multiplicado muchas veces. Muchos dicen que es un estilo de vida elegido por nuestra generación, otros dicen que es vergonzoso. Cada uno con su arte y cada cual que haga lo que desee con su dinero.

ART & LANGUAGE

El grupo de artistas ingleses Arte & Language tiene su origen en la unión en el Coventry College of Art de Terry Atkinson y Machael Baldwin, donde estudiaban en 1966. En 1968 ya se habían unido a ellos más artistas y se fundó en Cambridge la editorial Art & Language Press, que tardaría un año en publicar el primer número de la revista con el mismo nombre.  Hasta mediados de los 70 se dedicaron a analizar los condicionamientos del arte bajo influencia tanto del discurso marxista como de los métodos de la filosofía anglosajona del lenguaje.

                La finalidad del grupo era contribuir con sus investigaciones a la desmitificación del arte. Hasta pasados los 70 sus integrantes renunciaron a producir obras en el sentido tradicional y concibieron el discurso sobre el arte como una forma de este. La docencia, discusiones o publicaciones sobre arte formaban parte para ellos de un proceso artístico global.

                En la “documenta V” y con el título de “Index 001”, obra que aparece a continuación y al principio de esta entrada, presentaron en el año 1972 su proyecto más amplio. En una amplia sala expusieron cuatro bloques con dos archivadores cada uno de ellos, y en sus cajones se encontraban textos y fragmentos del grupo publicados en su revista, además de inéditos. Los textos estaban clasificados por orden alfabético y según su grado de completitud. Además las paredes se presentaban llenas de hojas de referencias de la revista. De este modo los análisis teóricos del grupo se integraban en un sistema de relaciones complejo. Index 001 de Art & Language refleja la seriedad de la confrontación intelectual.

“Arte conceptual”, Daniel Marzon, Ed Uta Grosenick

Pep Duran - Museo d´art Contemporani de Barcelona

El Museo d´art Contemporani de Barcelona acoge desde el pasado 3 de marzo hasta el 5 de junio una exposición del artista Pep Duran.  "Una cadena de acontecimientos" es una colección creada por el artista catalán específicamente para el espacio La Capilla del Macbay que consta de dos partes. Retaule laic (retablo laico) y Peca escrita (pieza escrita), que como describe la página del museo "recoge y a la vez destila las influencias intelectuales, formales y estéticas sobre las que pivotan el modo de hacer y de pensar de este artista. La obra es un proceso de revisión de las imágenes, teatro y metamórficas modernidades latinoamericanas que han influido en la última década de producción de Pep Duran. Un archivo personal.

                Retablo laico: situada en el espacio central y compuesta de 60 moldes cerámicos realizados en colaboración con Toni Cumella. Además hay un muro blanco en el que se repiten elementos idénticos y similares con un papel fundamental, "aparecen sobre la superficie blanca  de cerámica como si la fuesen a traspasar". Refleja la tensión entre lo efímero de la vida y lo eterno de la obra, y como cada persona lucha por librarse de esa lógica.

                Pieza escrita: con el mismo material que el primer elemento pero con grandes diferencias, entre las que se encuentra el color, la textura y un texto. Este texto es un fragmento de un poema de Fernando Ferrer Lerín. Y dado que es un fragmento, todo lo de esta segunda parte de la exposición remite justamente a eso, a la noción de parte, de framento. " Pudiera ser lo que queda tras una catástrofe de recuerdos, vestigios que obligan a usar puntos suspensivos, es decir, que obligan a pararse en aquello que está y debe permanecer incompleto". 1

                ¿Y por qué hablar de Pep Duran? Pues porque es uno de los artistas españoles que se pueden encuadrar en el arte español objetual. Las referencias ambiguas de sus armarios, maletas, pedazos de madera o collages de corbatas y zapatos a lo largo de su carrera artística ofrecen potentes sugerencias poéticas a medio camino entre la ironía y la ternura.

                P.Duran comenzó su trayectoria artística en la Cataluña de los años 70, dominada por la práctica pictórica y donde no se veía bien cualquier creación que se saliera de las normas. Años más tarde la escultura se convertiría en una actividad importante en la comunidad. Su trayectoria escultórica continúa la que caracterizó a otros catalanes como Tàpies, Brossa y Miró.

Joan Brossa (Foto: Gonzálo Nuñez en http://www.radio.cz/)

(Foto: http://artesvisualesvenezuela.blogspot.com/)

Como dice el crítico francés Hubert Besacier refiriéndose a la obra de Duran, desde el principio se pueden revelar dos aspectos que serán constantes en la evolución de su obra:

- preferencia por todo lo que tenga relación con la existencia humana, en lo que ésta tiene de familiar, de cotidiano, de humilde;

- la voluntad de utilizar objetos de desecho, hechos para la vida y rehechos para la vida, para hacer de ellos el material del arte. 2

                Duran acumula objetos, telas, ropas, desde lo útil hasta el mobiliario del que menos provecho se puede sacar. El objeto se sale su contexto hasta que abandona su identidad. Construye nuevas realidades a partir de realidades ya existentes pero cambiadas. En los 90 su obra cambia y deja de ser la transformación de la realidad que ya existe y sus esculturas pasan a ser la unión de objetos que se identifican con una realidad cercana.

                Pep Duran construye metáforas y analogías uniendo ideas y objetos para crear dentro de la mente del espectador la narración de situaciones distintas. La emoción, la realidad y las ideas se entremezclan en su obra.

Joseph Kosuth

El artista estadounidense Sol Lewitt dejó plasmado en su escrito "Párrafos sobre el arte conceptual" que el arte debe estar vacío de toda emoción y con ello conseguir destacar nuevos modos expresivos. La palabra, las cifras, las imágenes fotográficas... deben cobrar vital importancia.
Joseph Kosuth, otro artista fundador, elaboró una serie de cuadros a los que tituló Art as idea as idea, que consistía en la completación de la imagen con la palabra, en concreto con la transcripción de definiciones de palabras en el diccionario. La obra siguiente, Una y tres sillas es la representación de estas obras. Se trata de la representación de una misma idea, la silla, de distintas maneras o bien de una forma tautológica.
Joseph Kosuth, autor también de la obra que encabeza este post, es un artista norteamericano nacido en 1945 que desarrolló el arte conceptual propio de los 60. Además de arte, estudió antropología y filosofía, conocimientos que plasmó en sus propias obras como en Una y tres sillas, esta vendida al MOMA.

En la imagen, se aprecian tres formas distintas de ver una silla. Una, el objeto de la propia silla; otra, una foto de la misma silla; y la última a la derecha, la transcripción literal de la definición de silla de un diccionario.

Todo ello nos recuerda a la reflexión de Platón sobre forma e idea: ¿qué es una silla: su propia concreción material, la idea que de ella tenemos o el significado que damos a la palabra? ¿los tres aspectos a la vez? Un conjunto de signos no tendrá completa significación hasta que el emisor lo decodifique por completo y para sí mismo.

Muestra tres maneras diferentes a la imagen de una silla, Kosuth hace ver que hay muchas maneras de mostrar y transmitir el resultado de una idea.

Los conceptualistas consideraban que la ejecución de una obra era superficial, la idea era la máquina de hacer arte, la obra no debía remitir a la realidad exterior ni a la subjetividad del artista. Para estos artistas el arte era un producto prepensado y controlado en el que “el objeto es un medio no un fin”.

Fuentes:

·        http://fcom.us.es/

·         http://discursovisual.cenart.gob.mx/

·         http://www.wishwallmural.com/

Un poco de historia

Los ready-made (también conocido como arte encontrado) de Marcel Duchamp fueron la primera expresión de la necesidad de ampliar el campo artístico, amplió el ejercicio estético, totalmente mental, hasta el reino del objeto. El objeto más controvertido que usó fue la  “Fontaine” en 1917, un urinario colocado horizontalmente con la firma “R. Mutt”. Con sus objetos-no-artísticos pretendía provocar, desorientar al público, romper el orden existente, pero también sentó las bases de la visión surrealista del objeto. Es una nueva forma de interpretar la realidad Se crea una nueva relación sujeto-objeto en la que los objetos tienen importancia por sí mismos, se interesa especialmente en el aspecto mágico, oculto de los mismos, justo aquello que produce emoción a los espectadores. "Duchamp definió sus objetos como no-artísticos. En realidad son una serie de experimentos, en los que al descontextualizar un objeto, sacan a la luz su valor intrínseco. El objeto adquiere así un aspecto inquietante, misterioso, que no sabemos explicar y nos interroga" 1. Como consecuencia de estos experimentos hoy se habla del "Síndrome de Duchamp". Este tema merece una entrada nueva, pero será más adelante.

(Foto: canadianart.ca)

                 En el cubismo se quiso neutralizar la importancia del sujeto para convertirlo en objeto al dar por sentada su existencia. El arte conceptual y objetual fue recuperado nuevamente por tendencias neodadaístas en la década de los 60.

                Los objetos transformados pierden sus cualidades puramente materiales y se metamorfosea en medio de referencias poéticas, existenciales, irónicas o dramáticas. La escultura conceptual que surge de ese "objeto" va mas allá de la pintura o la escultura tradicional, puede ampliar materiales y ocupar cualquier espacio. Podemos encontrarnos una obra de arte desde el suelo hasta la pared, pero también en el techo.

                Un claro ejemplo de esto son los objetos metamorfoseados de Lucas Samaras, este artista estadounidense, de origen griego, es un claro ejemplo de la conexión entre las primeras propuestas objetuales y las últimas obras, y del traspaso del arte estadounidense a Europa y viceversa.  Las obras escultóricas ya no son perennes ya que disminuye la actividad del artista y el aumento de la del espectador. Así Samaras transmite un carácter agresivo y sádico, pero a la vez fetichista, con el uso del valor metafórico de los materiales para recrear con cajas y libros los límites de la estética. En esta obra en concreto "Book, no 6", de 1962 el artista utiliza un libro imposible de tocar, recubierto de materiales punzantes y cortantes que agreden a la vez al objeto y al receptor y su historia.

(Foto: hirshhorn.si.edu)

OBJETOS TRANSFORMADOS

¿Qué harían ustedes con una pecera?

La mayoría de la gente a esta pregunta contestará que meter peces, pero aunque parezca la respuesta más adecuada no es la única, ni la mejor.

Francesc Torres utiliza en 1969 un cubículo cerrado con agua para crear "Sculptura", una obra escultórica que transgrede los límites tradicionales atribuidos al objeto artístico. Además con el uso de la palabra añade un nuevo elemento de impacto conceptual. Él es uno de muchos de los que a partir de mediados del siglo XX comenzaron a dotar a los objetos cotidianos de nuevos significados en el arte. Manipularon, y siguen haciéndolo, objetos comunes para ofrecer nuevas preguntas estéticas al espectador.

metamorfoseARTE va a ser el marco de observación de esos objetos descontextualizados, metamorfoseados o quizá fragmentados. Un pequeño rincón para el llamado arte "objetual" y sus maravillosos "objetos esculturales".