ARTESANTANDER

La feria ARTESANTANDER que cumple este año su vigésimo cumpleaños llega en esta ocasión en julio, del 20 al 24. Llega con un formato "menos denso, más directo y más rentable" que promete sorprender. 45 galerías de Arte Contemporáneo: escultura, fotografía, pintura, nuevos soportes tecnológicos, obras gráficas y dibujo. El pasado 9 de junio se cerró el plazo de presentación de candidaturas para exponer, y parece ser que este año la feria será más internacional que nunca. Además de la ya común presencia de galerías no solo cántabras sino de toda España se unen peticiones de centros de Estados Unidos, Inglaterra, Portugal y Alemania.

Tras el intento fallido de Santander 2016 (capital europea de la cultura) la ciudad no abandona el arte pero canbia de aires. Uno de los cambios es que ya no ocupará las dos plantas del Palacio de Exposiciones de la capital cántabra, con lo que se unificará en una sola.

Para saber más: http://www.artesantander.com/esp/

Algo que decir

Para entender mejor el arte conceptual qué mejor que saber qué significa para sus artistas:

"En cierto sentido el arte es tan "serio" como la ciencia

o la filosofía, que tampoco tienen público. Es interesante o

no lo es exactamente en la medida en que se sabe o no de ello"

(Joseph Kosuth)

"Digo simplemente que el arte

es un engaño"

(Marcel Duchamp)

"El mundo está lleno de objetos más o menos

interesantes; no quiero añadir ninguno más"

(Douglas Huebler)

(Sol Lewitt, "Wall Drawing")

"Me propuse realizar una obra de arte que fuera todo lo bidimensional

posible; parece más natural trabajar directamente en las paredes

que trabajar sobre otro medio para luego colgarlo en la pared"

(Sol Lewitt)

"Me considero creador de situaciones,

no de elementos vinculados a ellas"

(Michael Asher)

"Contempla el objeto como si no lo hubieses visto nunca.

Analízalo desde todos los ángulos. Dibuja su contorno en el aire

con tus ojos o con tus manos y deja que te llene".

(John Baldessari)

Ready-made y Marcel Duchamp

El ready- made es unas de las estrategias utilizadas por Marcel Duchamp en su ofensiva contra el principio del arte por el arte de la abstracción pictórica y le encumbró en el nivel de precursor del arte conceptual. Esta estrategia ha sido entendida en muchas ocasiones como el gesto anti arte. Asienta la creación artística sobre una base nueva y más clara que la anterior. Para su primer ready-made el autor escogió en 1914 un botellero comprado en París y le añadió un rótulo que no se conserva y lo declaró obra de arte.

Esta "técnica" revaloriza los componentes ideales del arte y al mismo tiempo amplía el campo artístico. Plantea el problema de qué es arte y qué no es, y esto según él no depende de un juicio estético, sino de un convencimiento implícito de que las convenciones no son invariables y deben establecerse distintas en cada caso.

El artista propone una redefinición creativa del arte. En 1942 publicó los primeros veinte ejemplares de jujo de su museo portatil. Hasta su muerte habría seis varioaciones. En la primera edición introdujo en un cofre un total de 71 reproducciones pequeñas de sus primeras obras.

Eran objetos plegables y podían unirse a mano. Duchamp no solo logró la transformación paradógica de sus ready-mades fabricados industrialmente en piezas múltiples, sino que al mismo tiempo destacó la cohesión interna de sus obras.

Para saber más: "Arte conceptual", de Daniel Marzona

Elena Asins en el Museo Reina Sofía

A partir del 14 de junio y hasta el 31 de octubre de este año el Museo Reina Sofía, la tercera planta del edificio Sabatini, se expone la obra de Elena Asins. Se podrán ver numerosas obras que hasta el momento no habían sido mostradas al público anteriormente, ya que el museo ha adquirido sus obras en los últimos años. Es la exposición más amplia que se ha hecho de la artista.

La exposición arranca en 1968, cuando la artista lleva a cabo sus dos primeras exposiciones individuales, en el Cercle Artistic de Barcelona y en la Galería Edurne de Madrid. Se caracteriza por la investigación que realiza del espacio y de la geometría, ya que desde el principio realiza obras de corte abstracto.

A lo largo de su carrera ha ido de arte óptico a pintura monocroma, utiliza hilo de nylon o papel plegado, también rotulación y mecanografiado...

Se exhibe un conjunto de 33 obras óptico-cinéticas en las que aplica la idea de la fusión de arte y tecnología. El catálogo de la muestra recoge una extensa recopilación de textos escritos por la propia artista, en un esfuerzo por visibilizar su amplio trabajo teórico como una voz singular dentro de la teoría y crítica españolas. Además se incluyen textos de Manuel Borja-Villel, Ignacio Gómez de Liaño y Ángel Llorente entre otros autores. Tanto esta publicación como la exposición pretenden sistematizar, documentar y mostrar un trabajo cuya trayectoria pública y presentación en exposiciones a lo largo del tiempo ha soslayado importantes aspectos de su contribución artística.

Fuentes:

• http://bonartactualitat.wordpress.com/
• http://www.modemonline.com/
• http://www.museoreinasofia.es/

Lo cotidiano por Tobias Rehberguer

Examina los objetos cotidianos de forma extraordinaria, tiene una visión colorida de todo lo que le rodea, y eso es lo que ha hecho de él, Tobias Rehberger (Esslingen, Alemania 1996) uno de los artistas más reconocidos de hoy en día.

Este año el alemán visitó Madrid para ser el autor del área degustación de la marca Illy de cafeteras, en la última edición de Arco. De este modo el artista volvió a trabajar con la firma italiana tras colaborar con ella de forma similar en Berlín, Estambul y Turín. Además ha creado un juego de café para la marca.

En el año 2009 recibió el León de Oro en la Bienal de Venecia. La primera colección de tazas del artista fue en 1992 "Artes y Oficios", y ya en ella la estética de la taza se unía al café para hacerse mutuamente especiales. Él, como otros, está unido a Illy. Este es el caso de Marina Abramovic, Daniel Buren, Robert Rauschenberg, James Rosenquist entre otros.



(pack de Illy)



Pero no todo son tazas. Ha tenido exposiciones individuales en el Stedlellijk Museum de Ámsterdan, en Londres en el Whitechapel, en Oporto y en el Palacio de Cristal en Madrid, donde en su momento expuso 17 obras nuevas. Es un artista que piensa "en el arte por encima de todo" como ha dejado claro en muchas de sus entrevistas. Pero no un arte solo para mirar, para ver, sino que el arte debe ser algo que aunque pase desapercibido y no seas consciente de ello produzca un efecto en las personas.

¿Y dónde está el encanto de las cosas cotidianas? él mismo lo dice en la entrevista que concedió a tendenciasdelarte.com "Para mí, una taza de café simboliza un instante de relax. Al diseñarla estoy pensando en un momento de tranquilidad, de pausa en la vida; el planteamiento no tiene nada que ver con el que tengo cuando creo obras de arte para una exposición. Una taza es un objeto pequeño, agradable, y además, que no pesa. Diseñarla es como un ejercicio para mí".

Además este año, y este mes, se pudo contemplar su obra de forma fugaz en el festival SOS 4.8 de murcia visual.



(Foto del festival)



• Sobre el festival SOS 4.8:

http://www.murciavisual.es/?p=4311

• Para leer toda la entrevista:

http://www.tendenciasdelarte.com/pdf/marzo11/rehberger.pdf

"De pálido neón"

El 3 de abril la entrada fue dedicada a Joseph Kosuth.

Pero el arte con neón no es cosa del siglo pasado, hoy en día son muchos los artistas que lo utilizan, ya sea para fotografía, decoración o exposición.

A continuación algunos ejemplos y referencias.

La revista Esquire ilustró el pasado mes de abril un reportaje de "estilo Esquire" con neón. Las fotografías, realizadas por Viktor Gorbachev constaban de hombres en traje y en lugar de la típica referencia a la marca esta se hacía con letras de neón que indicaban el diseñador de la ropa. Totalmente recomendable verlo.

Por otro lado Claire Fontaine lo utiliza para diseño: (foto de colevtiva.tv)



Stefan Bruggemann

Gedley Braga

Bruce Nauman: (foto de http://anartjunkie.wordpress.com/)

Fuentes:

• http://www.stefanbruggemann.com/
• http://www.myspace.com/pmcaonline
• (más sobre Bruce Nauman) http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2689

El retorno

No es solo el retorno, es el retorno de Duchamp. ´"Relatos de colección" es un programa del Museo Reina Sofía que media y acerca al público en una sala específica de la Colección. Tiene carácter cuatrimestral y su objetivo es "incitar al visitante a establecer conexiones, tanto entre las obras que componen el espacio visitado, como entre estas y el resto de la Colección.

En esta ocasión del 4 de mayo al 31 de agosto los miércoles y sábados se puede acceder a este programa de forma gratuita. El espectador se podrá reencontrar en una visita comentada con el artista de arte conceptual del que en este mismo blog se ha hablado en otra ocasión y que el sentido que adquiere una obra de arte depende del receptor y del contexto en el que se produce el encuentro con este, más que de la intención del autor.
Su obra fue un punto de inflexión en la producción artística europea y americana en los años 50 y 60. El azar, las performance llegarán al público.
(Para más información acceder a la página web del museo Reina Sofía)

(parte de la exposición de Duchamp)

El negocio del arte

Que el arte contemporáneo, y más en concreto el arte objetual, sea arte es algo que se puede discutir. Puede que el problema sea que pierde su fundamento cuando se materializa. Para muchos que el reluciente corazón que encabeza este post alcanzara en una subasta los 23 millones y medio de dólares es preocupante. ¿Qué está pasando con el arte?

http://wwwstatic.megavideo.com/ep_gr.swf?v=SYQH94XU&u=0&confirmed=1

                En el vídeo del enlace anterior se dice que el arte "Es bonito. Y te invita a imaginar historias fantásticas y te descubre un mundo fascinante lejos de la hostilidad que me viene rodeando últimamente en todos los contextos en los que me muevo", sin embargo, aunque enseña a ver el mundo de otra forma para muchos sus productos artísticos son aburridos y tristes.

                Incluso cuando la economía mundial se colapsó los precios del arte contemporáneo seguían siendo altos y obscenos. Se podría decir que la actitud del público hacia el arte contemporáneo ha cambiado, antes tenía una actitud de recelo y desprecio, pero las visitas a los museos y las compras de este arte han aumentado.

                El arte contemporáneo es el producido a partir de 1945. La definición de arte contemporáneo es muy amplia, incluye alguno de los grandes nombres del arte de los últimos 50 años, artistas que ya han muerto y tienen una fama establecida, como Andy Warhol, y artistas que siguen vivos y produciendo obra, como Denim Jerks y Jeff Koons.

                Pero vivos o muertos los precios de sus obras se han multiplicado muchas veces. Muchos dicen que es un estilo de vida elegido por nuestra generación, otros dicen que es vergonzoso. Cada uno con su arte y cada cual que haga lo que desee con su dinero.

ART & LANGUAGE

El grupo de artistas ingleses Arte & Language tiene su origen en la unión en el Coventry College of Art de Terry Atkinson y Machael Baldwin, donde estudiaban en 1966. En 1968 ya se habían unido a ellos más artistas y se fundó en Cambridge la editorial Art & Language Press, que tardaría un año en publicar el primer número de la revista con el mismo nombre.  Hasta mediados de los 70 se dedicaron a analizar los condicionamientos del arte bajo influencia tanto del discurso marxista como de los métodos de la filosofía anglosajona del lenguaje.

                La finalidad del grupo era contribuir con sus investigaciones a la desmitificación del arte. Hasta pasados los 70 sus integrantes renunciaron a producir obras en el sentido tradicional y concibieron el discurso sobre el arte como una forma de este. La docencia, discusiones o publicaciones sobre arte formaban parte para ellos de un proceso artístico global.

                En la “documenta V” y con el título de “Index 001”, obra que aparece a continuación y al principio de esta entrada, presentaron en el año 1972 su proyecto más amplio. En una amplia sala expusieron cuatro bloques con dos archivadores cada uno de ellos, y en sus cajones se encontraban textos y fragmentos del grupo publicados en su revista, además de inéditos. Los textos estaban clasificados por orden alfabético y según su grado de completitud. Además las paredes se presentaban llenas de hojas de referencias de la revista. De este modo los análisis teóricos del grupo se integraban en un sistema de relaciones complejo. Index 001 de Art & Language refleja la seriedad de la confrontación intelectual.

“Arte conceptual”, Daniel Marzon, Ed Uta Grosenick

Pep Duran - Museo d´art Contemporani de Barcelona

El Museo d´art Contemporani de Barcelona acoge desde el pasado 3 de marzo hasta el 5 de junio una exposición del artista Pep Duran.  "Una cadena de acontecimientos" es una colección creada por el artista catalán específicamente para el espacio La Capilla del Macbay que consta de dos partes. Retaule laic (retablo laico) y Peca escrita (pieza escrita), que como describe la página del museo "recoge y a la vez destila las influencias intelectuales, formales y estéticas sobre las que pivotan el modo de hacer y de pensar de este artista. La obra es un proceso de revisión de las imágenes, teatro y metamórficas modernidades latinoamericanas que han influido en la última década de producción de Pep Duran. Un archivo personal.

                Retablo laico: situada en el espacio central y compuesta de 60 moldes cerámicos realizados en colaboración con Toni Cumella. Además hay un muro blanco en el que se repiten elementos idénticos y similares con un papel fundamental, "aparecen sobre la superficie blanca  de cerámica como si la fuesen a traspasar". Refleja la tensión entre lo efímero de la vida y lo eterno de la obra, y como cada persona lucha por librarse de esa lógica.

                Pieza escrita: con el mismo material que el primer elemento pero con grandes diferencias, entre las que se encuentra el color, la textura y un texto. Este texto es un fragmento de un poema de Fernando Ferrer Lerín. Y dado que es un fragmento, todo lo de esta segunda parte de la exposición remite justamente a eso, a la noción de parte, de framento. " Pudiera ser lo que queda tras una catástrofe de recuerdos, vestigios que obligan a usar puntos suspensivos, es decir, que obligan a pararse en aquello que está y debe permanecer incompleto". 1

                ¿Y por qué hablar de Pep Duran? Pues porque es uno de los artistas españoles que se pueden encuadrar en el arte español objetual. Las referencias ambiguas de sus armarios, maletas, pedazos de madera o collages de corbatas y zapatos a lo largo de su carrera artística ofrecen potentes sugerencias poéticas a medio camino entre la ironía y la ternura.

                P.Duran comenzó su trayectoria artística en la Cataluña de los años 70, dominada por la práctica pictórica y donde no se veía bien cualquier creación que se saliera de las normas. Años más tarde la escultura se convertiría en una actividad importante en la comunidad. Su trayectoria escultórica continúa la que caracterizó a otros catalanes como Tàpies, Brossa y Miró.

Joan Brossa (Foto: Gonzálo Nuñez en http://www.radio.cz/)

(Foto: http://artesvisualesvenezuela.blogspot.com/)

Como dice el crítico francés Hubert Besacier refiriéndose a la obra de Duran, desde el principio se pueden revelar dos aspectos que serán constantes en la evolución de su obra:

- preferencia por todo lo que tenga relación con la existencia humana, en lo que ésta tiene de familiar, de cotidiano, de humilde;

- la voluntad de utilizar objetos de desecho, hechos para la vida y rehechos para la vida, para hacer de ellos el material del arte. 2

                Duran acumula objetos, telas, ropas, desde lo útil hasta el mobiliario del que menos provecho se puede sacar. El objeto se sale su contexto hasta que abandona su identidad. Construye nuevas realidades a partir de realidades ya existentes pero cambiadas. En los 90 su obra cambia y deja de ser la transformación de la realidad que ya existe y sus esculturas pasan a ser la unión de objetos que se identifican con una realidad cercana.

                Pep Duran construye metáforas y analogías uniendo ideas y objetos para crear dentro de la mente del espectador la narración de situaciones distintas. La emoción, la realidad y las ideas se entremezclan en su obra.

Joseph Kosuth

El artista estadounidense Sol Lewitt dejó plasmado en su escrito "Párrafos sobre el arte conceptual" que el arte debe estar vacío de toda emoción y con ello conseguir destacar nuevos modos expresivos. La palabra, las cifras, las imágenes fotográficas... deben cobrar vital importancia.
Joseph Kosuth, otro artista fundador, elaboró una serie de cuadros a los que tituló Art as idea as idea, que consistía en la completación de la imagen con la palabra, en concreto con la transcripción de definiciones de palabras en el diccionario. La obra siguiente, Una y tres sillas es la representación de estas obras. Se trata de la representación de una misma idea, la silla, de distintas maneras o bien de una forma tautológica.
Joseph Kosuth, autor también de la obra que encabeza este post, es un artista norteamericano nacido en 1945 que desarrolló el arte conceptual propio de los 60. Además de arte, estudió antropología y filosofía, conocimientos que plasmó en sus propias obras como en Una y tres sillas, esta vendida al MOMA.

En la imagen, se aprecian tres formas distintas de ver una silla. Una, el objeto de la propia silla; otra, una foto de la misma silla; y la última a la derecha, la transcripción literal de la definición de silla de un diccionario.

Todo ello nos recuerda a la reflexión de Platón sobre forma e idea: ¿qué es una silla: su propia concreción material, la idea que de ella tenemos o el significado que damos a la palabra? ¿los tres aspectos a la vez? Un conjunto de signos no tendrá completa significación hasta que el emisor lo decodifique por completo y para sí mismo.

Muestra tres maneras diferentes a la imagen de una silla, Kosuth hace ver que hay muchas maneras de mostrar y transmitir el resultado de una idea.

Los conceptualistas consideraban que la ejecución de una obra era superficial, la idea era la máquina de hacer arte, la obra no debía remitir a la realidad exterior ni a la subjetividad del artista. Para estos artistas el arte era un producto prepensado y controlado en el que “el objeto es un medio no un fin”.

Fuentes:

·        http://fcom.us.es/

·         http://discursovisual.cenart.gob.mx/

·         http://www.wishwallmural.com/

Un poco de historia

Los ready-made (también conocido como arte encontrado) de Marcel Duchamp fueron la primera expresión de la necesidad de ampliar el campo artístico, amplió el ejercicio estético, totalmente mental, hasta el reino del objeto. El objeto más controvertido que usó fue la  “Fontaine” en 1917, un urinario colocado horizontalmente con la firma “R. Mutt”. Con sus objetos-no-artísticos pretendía provocar, desorientar al público, romper el orden existente, pero también sentó las bases de la visión surrealista del objeto. Es una nueva forma de interpretar la realidad Se crea una nueva relación sujeto-objeto en la que los objetos tienen importancia por sí mismos, se interesa especialmente en el aspecto mágico, oculto de los mismos, justo aquello que produce emoción a los espectadores. "Duchamp definió sus objetos como no-artísticos. En realidad son una serie de experimentos, en los que al descontextualizar un objeto, sacan a la luz su valor intrínseco. El objeto adquiere así un aspecto inquietante, misterioso, que no sabemos explicar y nos interroga" 1. Como consecuencia de estos experimentos hoy se habla del "Síndrome de Duchamp". Este tema merece una entrada nueva, pero será más adelante.

(Foto: canadianart.ca)

                 En el cubismo se quiso neutralizar la importancia del sujeto para convertirlo en objeto al dar por sentada su existencia. El arte conceptual y objetual fue recuperado nuevamente por tendencias neodadaístas en la década de los 60.

                Los objetos transformados pierden sus cualidades puramente materiales y se metamorfosea en medio de referencias poéticas, existenciales, irónicas o dramáticas. La escultura conceptual que surge de ese "objeto" va mas allá de la pintura o la escultura tradicional, puede ampliar materiales y ocupar cualquier espacio. Podemos encontrarnos una obra de arte desde el suelo hasta la pared, pero también en el techo.

                Un claro ejemplo de esto son los objetos metamorfoseados de Lucas Samaras, este artista estadounidense, de origen griego, es un claro ejemplo de la conexión entre las primeras propuestas objetuales y las últimas obras, y del traspaso del arte estadounidense a Europa y viceversa.  Las obras escultóricas ya no son perennes ya que disminuye la actividad del artista y el aumento de la del espectador. Así Samaras transmite un carácter agresivo y sádico, pero a la vez fetichista, con el uso del valor metafórico de los materiales para recrear con cajas y libros los límites de la estética. En esta obra en concreto "Book, no 6", de 1962 el artista utiliza un libro imposible de tocar, recubierto de materiales punzantes y cortantes que agreden a la vez al objeto y al receptor y su historia.

(Foto: hirshhorn.si.edu)

OBJETOS TRANSFORMADOS

¿Qué harían ustedes con una pecera?

La mayoría de la gente a esta pregunta contestará que meter peces, pero aunque parezca la respuesta más adecuada no es la única, ni la mejor.

Francesc Torres utiliza en 1969 un cubículo cerrado con agua para crear "Sculptura", una obra escultórica que transgrede los límites tradicionales atribuidos al objeto artístico. Además con el uso de la palabra añade un nuevo elemento de impacto conceptual. Él es uno de muchos de los que a partir de mediados del siglo XX comenzaron a dotar a los objetos cotidianos de nuevos significados en el arte. Manipularon, y siguen haciéndolo, objetos comunes para ofrecer nuevas preguntas estéticas al espectador.

metamorfoseARTE va a ser el marco de observación de esos objetos descontextualizados, metamorfoseados o quizá fragmentados. Un pequeño rincón para el llamado arte "objetual" y sus maravillosos "objetos esculturales".